Correction et amélioration des couleurs

La puissance de la couleur dans la narration visuelle

Avant même de toucher un curseur ou d'appliquer un filtre, il est crucial de comprendre pourquoi la couleur est importante. La couleur n'est pas seulement une propriété technique d'une image ; c'est un langage puissant et subconscient qui s'adresse directement à votre public. Elle peut transformer une simple photo en un récit captivant, guider les émotions, focaliser l'attention et construire le monde dans lequel votre histoire évolue. C'est un aspect clé de notre introduction au post-traitement et à la retouche.

Évoquer l'émotion et l'ambiance

La couleur est l'un des outils les plus efficaces pour définir le ton émotionnel d'une image ou d'une scène. Nos cerveaux sont câblés pour associer certaines couleurs à des sentiments spécifiques, un concept connu sous le nom de théorie des couleurs pour photographes. En utilisant intentionnellement ces associations, vous pouvez fondamentalement changer la façon dont votre public interprète votre travail.

• Tonalités chaudes : Les couleurs comme le rouge, l'orange et le jaune sont souvent associées à l'énergie, la passion, le bonheur et la chaleur. Pensez à une photo de coucher de soleil à l'heure dorée : elle semble romantique, paisible et nostalgique. Un rouge vif peut signifier l'amour, mais il peut aussi signaler le danger ou l'intensité. Comprendre la température des couleurs expliquée peut aider ici.
• Tonalités froides : Les bleus, les verts et les violets ont tendance à évoquer des sentiments de calme, de sérénité et parfois de tristesse ou d'isolement. Un paysage dominé par des tons bleus froids peut sembler tranquille et vaste, tandis qu'une scène sombre teintée de bleu peut sembler mystérieuse ou sombre.

Les cinéastes utilisent magistralement les palettes de couleurs pour immerger les spectateurs dans un état émotionnel spécifique. Considérez le monde vibrant et chaleureux d'Amélie, où une palette de rouges riches, d'ors et de verts crée une atmosphère fantaisiste et romantique qui reflète l'optimisme excentrique du protagoniste. En contraste frappant, The Matrix utilise un lavis vert monochromatique maladif pour transmettre un sentiment d'artificialité, de décomposition et de malaise dans son monde numérique, faisant que le « monde réel » semble radicalement différent avec ses tons plus froids, dominés par le bleu. C'est un excellent exemple de l'utilisation de la couleur dans l'éclairage.

Guider le regard du spectateur

Au-delà de l'émotion, la couleur est un outil fondamental de composition. Elle vous permet de contrôler où votre public regarde et ce qu'il perçoit comme important. En manipulant la couleur, la luminosité et la saturation, vous pouvez créer une hiérarchie visuelle claire. Ceci fait partie de un guide pour améliorer votre photographie.

Une façon simple de procéder est d'utiliser la saturation et la luminosité. Nos yeux sont naturellement attirés par les parties les plus vives et les plus colorées d'une image. Si vous avez un sujet que vous souhaitez mettre en valeur, vous pouvez légèrement augmenter sa saturation ou sa luminosité tout en désaturant ou en assombrissant subtilement l'arrière-plan. Cela crée un point focal immédiat sans aucune autre modification compositionnelle. Ce sont des éléments clés dans les ajustements d'exposition et de tonalité.

Le contraste des couleurs est une autre technique puissante. Placer un sujet de couleur complémentaire sur un fond permet de le faire ressortir. L'exemple classique est une personne portant un manteau rouge debout devant une forêt verte et atténuée. Le contraste des couleurs crée une forte séparation, faisant ressortir le sujet et en faisant le centre d'attention indéniable. Ceci peut être amélioré avec des techniques comme les masques de luminosité en photographie.

Définir le temps et le lieu

La couleur peut instantanément transporter votre public vers un autre moment ou un autre lieu. Une palette de couleurs délibérée agit comme un raccourci, fournissant un contexte sans avoir besoin d'une seule ligne de dialogue ou de texte. C'est un aspect crucial du traitement post-production en photographie.

Pour signifier une époque spécifique, les créateurs utilisent souvent des traitements de couleur distincts. Une tonalité sépia, avec son aspect monochrome brunâtre, est universellement comprise pour représenter une période historique ou un flashback nostalgique. De même, l'aspect délavé et légèrement granuleux du film des années 1970 peut être reproduit pour situer une histoire dans cette décennie. Pour des looks créatifs plus avancés, envisagez d'explorer les effets et filtres créatifs.

La couleur est également essentielle pour différencier plusieurs lieux au sein d'une seule histoire. Un cinéaste pourrait utiliser une palette jaune chaude, saturée et poussiéreuse pour toutes les scènes se déroulant au Mexique, tandis que les scènes se déroulant dans une ville froide du nord pourraient être définies par des bleus d'acier et des gris désaturés. Cette technique aide le public à s'orienter instantanément, rendant le récit plus clair et la construction du monde plus immersive. Ceci est lié à l'objectif général de développer un style de montage cohérent.

Correction vs. Amélioration : Comprendre la Différence

Dans le monde de l'imagerie numérique, les termes « correction des couleurs » et « amélioration des couleurs » sont souvent utilisés de manière interchangeable, mais ils représentent deux étapes distinctes et séquentielles du processus de retouche. Comprendre la différence est fondamental pour obtenir des résultats professionnels et intentionnels. L'un est une science, l'autre un art ; l'un concerne la précision, l'autre l'esthétique.

Qu'est-ce que la correction des couleurs ?

La correction des couleurs est l'étape technique et fondamentale du processus de montage. Son objectif principal est de corriger tout problème lié aux couleurs et de s'assurer que l'image ou la vidéo soit nette, naturelle et fidèle à la réalité. Considérez-la comme la relecture d'un document pour corriger les fautes de frappe et les erreurs grammaticales avant de penser au design. Il s'agit de créer un point de départ neutre et précis à partir duquel toutes les décisions créatives peuvent être prises. Sans correction adéquate, tout enrichissement créatif ne fera qu'amplifier les problèmes sous-jacents.

Les tâches clés impliquées dans la correction des couleurs comprennent :

• Réglage de la balance des blancs correcte : Cela implique d'éliminer les dominantes de couleur non naturelles, en s'assurant que les objets blancs apparaissent d'un blanc pur et non teintés de jaune, de bleu ou de vert.
• Ajustement de l'exposition et du contraste : Cela signifie régler les niveaux de luminosité appropriés pour l'ensemble de l'image, des ombres les plus sombres aux hautes lumières les plus vives, en veillant à ce qu'aucun détail important ne soit perdu. C'est un élément essentiel des réglages d'exposition et de tonalité.
• Équilibrage des canaux de couleur : Ceci ajuste finement les canaux rouge, vert et bleu (RVB) pour créer une base de couleur équilibrée et neutre.

Qu'est-ce que l'amélioration des couleurs (étalonnage des couleurs) ?

Une fois l'image corrigée et équilibrée, le travail créatif commence. L'amélioration des couleurs, plus communément appelée dans le monde de la vidéo étalonnage des couleurs, est le processus artistique consistant à appliquer un style ou un aspect colorimétrique spécifique à une image pour évoquer une humeur et soutenir l'histoire. Si la correction est une relecture, alors l'étalonnage est comme choisir la police, la mise en page et le type de papier pour donner à un document une sensation spécifique, qu'elle soit moderne, classique ou fantaisiste.

C'est ici que vous infusez à l'image personnalité et émotion. Les tâches clés de l'amélioration des couleurs comprennent :

• Application de palettes de couleurs créatives : Cela pourrait signifier la mise en œuvre d'un style populaire comme le look « turquoise et orange » courant dans les films hollywoodiens ou la création d'une palette unique à partir de zéro pour convenir à votre projet. C'est un aspect clé de la théorie des couleurs pour photographes.
• Utilisation des tables de correspondance (LUT) : Les LUT sont des profils de couleur prédéfinis qui peuvent être appliqués pour obtenir rapidement une esthétique spécifique, d'un look de film vintage à un étalonnage moderne à fort contraste. Vous pouvez en apprendre davantage sur les effets créatifs et les filtres pour obtenir des résultats similaires.
• Manipulation de teintes et de saturations spécifiques : Cela implique de modifier sélectivement des couleurs individuelles – comme rendre un ciel bleu plus profond ou faire passer un feuillage vert vers un jaune plus automnal – pour un effet artistique. Comprendre la température de couleur est crucial pour cela.

Les Essentiels de la Correction des Couleurs : Construire une Base Neutre

Avant de pouvoir appliquer un style créatif, vous devez d'abord créer une toile propre et précise. C'est le rôle de la correction des couleurs. Considérez cela comme la préparation de vos ingrédients avant de commencer à cuisiner ; c'est l'étape fondamentale qui garantit que tout ce qui suit est construit sur des bases solides. L'objectif ici n'est pas d'être artistique, mais d'être techniquement précis, en créant une image qui reflète des couleurs et des tons fidèles à la réalité. C'est une partie essentielle de l'introduction au post-traitement et à la retouche.

Maîtriser la balance des blancs

Avez-vous déjà pris une photo en intérieur qui paraissait trop jaune, ou une photo à l'ombre qui apparaissait trop bleue ? C'est ce qu'on appelle un décalage de couleur, et cela se produit lorsque votre appareil photo interprète mal la « couleur » de la source lumineuse. Nos cerveaux sont excellents pour s'adapter automatiquement à différentes lumières, mais les appareils photo ont besoin d'un peu d'aide. Corriger cela est la première étape et la plus cruciale du processus, directement liée à la température de couleur expliquée.

• Qu'est-ce qu'une dominante de couleur ? C'est une teinte indésirable qui affecte toute l'image, causée par la température de couleur de la source lumineuse. Les ampoules au tungstène produisent une dominante jaune/orange, tandis que l'ombre ou le ciel couvert peuvent produire une dominante bleue.
• La pipette : La plupart des logiciels d'édition incluent un outil pipette pour la balance des blancs. Cliquez simplement sur une zone de votre image qui est censée être grise ou blanche neutre. Le logiciel ajustera alors automatiquement toute l'image pour neutraliser toute dominante de couleur en fonction de votre sélection.
• Curseurs de température et de teinte : Pour un contrôle manuel, vous disposez de deux curseurs principaux. Le curseur Température ajuste la couleur le long d'un axe bleu-jaune. Déplacez-le vers le bleu pour refroidir une image chaude (jaune) et vers le jaune pour réchauffer une image froide (bleue). Le curseur Teinte fonctionne sur un axe vert-magenta, ce qui est utile pour corriger les dominantes des éclairages fluorescents. Comprendre la théorie des couleurs pour les photographes peut vous aider ici.

Ajustement de l'exposition et du contraste

Une fois vos couleurs neutres, l'étape suivante consiste à vous assurer que l'image a une gamme complète de tons, des ombres les plus sombres aux hautes lumières les plus vives. C'est là que vous définissez la luminosité et l'impact général de votre image, en vous assurant qu'aucun détail important n'est perdu dans les zones trop sombres ou trop claires. Cela relève des ajustements d'exposition et de tonalité.

• Lecture d'un histogramme : L'histogramme est votre meilleur allié pour l'exposition. C'est un graphique qui montre la distribution tonale de votre image. Le côté gauche représente le noir pur (ombres), le côté droit représente le blanc pur (hautes lumières), et la section du milieu représente les tons moyens. Une image bien exposée a généralement un histogramme qui couvre toute la plage sans pics importants regroupés à l'une ou l'autre extrémité.
• Niveaux et Courbes : Bien que les curseurs simples de luminosité et de contraste fonctionnent, les outils Niveaux et Courbes offrent beaucoup plus de précision. L'outil Courbes, en particulier, vous permet de faire des ajustements ciblés sur des plages tonales spécifiques – par exemple, vous pouvez éclaircir les tons moyens sans affecter les ombres profondes ou les hautes lumières vives. Pour des techniques plus avancées, envisagez d'en apprendre davantage sur les masques de luminosité en photographie.
• Luminosité vs. Exposition : Bien qu'ils semblent similaires, la Luminosité est un simple ajustement qui rend uniformément chaque pixel plus clair ou plus sombre. L'Exposition, en revanche, fonctionne davantage comme le capteur d'un appareil photo, affectant les hautes lumières plus significativement que les ombres, résultant souvent en un ajustement plus naturel.
• Récupération des détails : Si votre histogramme est poussé fort contre le mur gauche ou droit, vous avez des "noirs écrasés" ou des "hautes lumières brûlées". Utilisez les curseurs Ombres et Hautes lumières de votre logiciel pour récupérer les détails. Remonter les ombres révélera des informations dans les zones sombres, tandis que descendre les hautes lumières peut redonner de la texture dans les ciels clairs ou sur les surfaces blanches. Maîtriser ces techniques fait partie du post-traitement en photographie.

Équilibrer la saturation et la vibrance

La dernière étape de la correction primaire consiste à gérer l'intensité de vos couleurs. Il est facile de se laisser emporter et de pousser les couleurs dans un territoire irréaliste et caricatural. La clé est de trouver un équilibre qui semble riche et attrayant sans être distrayant. Ceci est essentiel pour développer un style d'édition cohérent.

Le plus grand danger ici est la sursaturation. Pousser le curseur de saturation trop loin peut entraîner un écrêtage des couleurs, où les dégradés subtils sont perdus, et les tons chair peuvent paraître radioactifs. Un peu suffit. Explorer les effets créatifs et filtres peut également être fait une fois que la base est correcte.

Saturation vs. Vibrance : Quelle est la différence ?

La plupart des programmes de retouche offrent deux outils pour cela : la saturation et le vibrance. Ils peuvent sembler interchangeables, mais ils fonctionnent très différemment.

• Saturation augmente uniformément l’intensité de chaque couleur de votre image. Si vous la poussez trop haut, les couleurs déjà saturées peuvent devenir écrasantes, et cela peut rendre les tons de peau artificiels et orangés.
• Vibrance est un outil "plus intelligent". Il augmente principalement l'intensité des couleurs les plus atténuées de votre image tout en laissant inchangées les couleurs déjà bien saturées. De manière cruciale, il dispose d'une protection intégrée pour les tons chair, les empêchant de devenir excessivement rouges ou oranges. Pour cette raison, Vibrance est souvent le meilleur point de départ pour améliorer la couleur dans les portraits et la plupart des images à l'aspect naturel. Le traitement correct de vos fichiers RAW garantit que vous disposez du plus de données possible pour ces ajustements.

Amélioration Créative des Couleurs : Créer une Ambiance et un Style

Une fois que vous avez une image propre et corrigée, le vrai plaisir commence. L'amélioration des couleurs, souvent appelée étalonnage des couleurs, est l'endroit où vous infusez votre visuel avec une ambiance, un style et un ton émotionnel distincts. C'est le processus créatif qui transforme une image techniquement correcte en une œuvre d'art captivante. Il s'agit moins de précision que d'intention. C'est une partie essentielle du flux de travail global de la post-production en photographie.

Principes fondamentaux de la théorie des couleurs pour l'amélioration

Un étalonnage des couleurs efficace n'est pas aléatoire ; il est ancré dans les principes de la théorie des couleurs. Comprendre comment les couleurs interagissent est la clé pour créer un look qui semble délibéré et percutant. En exploitant ces concepts, vous pouvez guider les émotions de votre spectateur et créer une esthétique cohérente. L'apprentissage de la théorie des couleurs pour les photographes est essentiel ici.

• The Color Wheel: This is your map for navigating color relationships. The most common schemes used in color grading are:
  • Complémentaires : Couleurs opposées sur la roue (par exemple, bleu et orange, rouge et vert). Ce jumelage crée un contraste fort et une énergie visuelle, faisant ressortir les sujets.
  • Analogue : Couleurs qui se trouvent côte à côte sur la roue chromatique (par exemple, bleu, turquoise et vert). Ce schéma produit un aspect harmonieux, unifié et souvent serein.
  • Triadique : Trois couleurs réparties uniformément sur la roue chromatique. Cela crée une palette vibrante et équilibrée, dynamique sans être aussi criante qu'un schéma purement complémentaire.
• Utiliser l'harmonie des couleurs : En construisant votre étalonnage autour d'un schéma de couleurs spécifique, vous créez une harmonie visuelle. Cela rend l'image plus agréable à regarder et renforce l'ambiance souhaitée. Une palette analogue bleu-vert peut donner une impression de calme et de naturel, tandis qu'une palette complémentaire turquoise-orange donne une impression de modernité et de cinéma. Comprendre la température de couleur joue également un rôle dans ce domaine.
• Le rôle de la couleur dans l'identité de marque : Pour les professionnels, un style de couleur cohérent est un outil de marque puissant. Que vous soyez un photographe de mariage connu pour ses pastels clairs et aérés ou un cinéaste avec un look granuleux et désaturé, une palette de couleurs signature rend votre travail instantanément reconnaissable et aide à fidéliser votre clientèle. Cela est lié au développement d'un style d'édition cohérent.

Techniques populaires d'étalonnage des couleurs

Bien que les possibilités créatives soient infinies, plusieurs techniques éprouvées constituent la base de l'étalonnage des couleurs moderne. La maîtrise de celles-ci vous donnera une boîte à outils polyvalente pour tout projet. Ceci fait partie de l'introduction au post-traitement et à la retouche plus large.

Créer un look cinématographique

Le look « cinématographique » est très recherché, et il implique souvent quelques ingrédients clés qui imitent l'esthétique des films. Bon nombre de ces techniques relèvent des effets créatifs et filtres.

• Le phénomène “bleu sarcelle et orange” : C'est sans doute la colorimétrie la plus reconnaissable des deux dernières décennies. Elle fonctionne si bien car elle exploite un puissant schéma de couleurs complémentaires. Les tons orangés s'alignent sur les tons naturels de la peau, donnant aux acteurs une apparence saine et vibrante, tandis que le bleu sarcelle contrastant est repoussé dans les ombres et les arrière-plans, créant de la profondeur et séparant le sujet de la scène.
• Atténuation des couleurs et écrasement des noirs : Tous les looks cinématographiques ne sont pas à contraste élevé. Une technique populaire pour une sensation plus granuleuse et dramatique consiste à désaturer légèrement les couleurs et à « écraser » ou « soulever » les noirs. Cela signifie que le noir pur est soit rendu absolu et profond pour augmenter le drame, soit qu'il est relevé à un gris foncé, ce qui réduit le contraste global et imite l'aspect des anciens films.
• Ajouter un grain de film subtil : Les capteurs numériques produisent des images incroyablement nettes. L'ajout d'une fine couche de grain de film simulé peut introduire de la texture, adoucir la netteté numérique et évoquer un sentiment de nostalgie et de tangibilité associé au cinéma classique. La clé est la subtilité ; trop de grain peut ressembler à du bruit numérique.

Partage de Tonalité

Le split toning est une technique classique qui consiste à appliquer différentes teintes de couleur aux ombres et aux hautes lumières d'une image. Cela permet des relations de couleurs nuancées au sein d'un même cadre. C'est un type spécifique de réglages locaux et retouche.

• Ce que c'est : Essentiellement, vous choisissez une couleur pour les parties les plus claires de votre image et une autre pour les parties les plus sombres. Par exemple, vous pourriez ajouter un jaune chaud aux hautes lumières et un bleu froid aux ombres.
• Utilisations courantes : Cette technique est incroyablement polyvalente. Elle est souvent utilisée pour créer des looks vintage ou « cross-processed » (par exemple, des ombres magenta et des hautes lumières vertes). Elle est également parfaite pour améliorer la lumière naturelle, comme l'ajout d'orange chaud aux hautes lumières d'une photo de coucher de soleil tout en ajoutant du bleu froid aux ombres pour intensifier le contraste des couleurs.

Le panneau HSL/Couleur

Pour une précision chirurgicale, aucun outil n'est plus puissant que le panneau TSL. TSL signifie Teinte, Saturation et Luminosité, et il vous permet d'isoler et de modifier des couleurs spécifiques sans affecter le reste de l'image. C'est une partie essentielle du traitement RAW et d'autres étapes de retouche.

• Teinte : Change la couleur elle-même (par exemple, transformer un bleu en un turquoise ou un violet).
• Saturation : Ajuste l’intensité d’une couleur spécifique, du monochrome au complètement saturé.
• Luminosité : Contrôle la luminosité d'une couleur spécifique.

Cet outil est indispensable pour des ajustements ciblés. Par exemple, si vous souhaitez rendre un ciel plus dramatique, vous pouvez utiliser le panneau HSL pour sélectionner uniquement les bleus, approfondir leur teinte, augmenter leur saturation et diminuer leur luminance pour leur donner un aspect riche et orageux, le tout sans rendre le ton de la peau de votre sujet artificiel. Ce niveau de contrôle est utile pour les ajustements d’exposition et de tonalité.

Utilisation des LUTs (Tables de correspondance)

Les tables de correspondance, ou LUTs, sont un moyen populaire et efficace d'appliquer rapidement des étalonnages de couleur complexes. Considérez-les comme des préréglages sophistiqués qui transforment les valeurs de couleur et de tonalité de votre image ou vidéo. L'application de LUTs est une façon d'élever votre photographie, comme discuté dans Un guide pour élever votre photographie.

• Qu'est-ce qu'une LUT ? Une LUT est un fichier contenant un ensemble prédéfini d'instructions mathématiques pour mapper un espace colorimétrique à un autre. En termes plus simples, cela indique au logiciel : « Pour chaque couleur de l'image d'origine, remplacez-la par cette nouvelle couleur. »
• LUTs techniques vs. créatives : Il existe deux types principaux. Les LUTs techniques sont utilisées pour la conversion, par exemple pour convertir des séquences vidéo d'un profil LOG plat d'une caméra vers un espace colorimétrique standard et visible (comme le Rec.709). Leur objectif est la précision. Les LUTs créatives, quant à elles, sont conçues purement pour l'esthétique. Elles appliquent un style spécifique, émulant une pellicule, un film à succès ou une ambiance particulière.
• Où trouver et appliquer les LUTs : De nombreuses applications de montage sont livrées avec des LUTs intégrées. Vous pouvez également les télécharger auprès d'innombrables créateurs en ligne, de places de marché et de coloristes professionnels. Elles sont généralement appliquées comme l'une des dernières étapes de votre flux de travail, une fois que vous avez terminé vos corrections de couleurs primaires, afin de garantir que le rendu soit appliqué à une image nette et équilibrée. Ceci est souvent fait avant la sortie et l'exportation finales.

Outils et logiciels pour la maîtrise des couleurs

Les bons outils peuvent faire toute la différence dans votre flux de travail de correction et d'amélioration des couleurs. Que vous soyez un photographe professionnel, un cinéaste en herbe ou un éditeur mobile occasionnel, il existe une application puissante adaptée à vos besoins. Voici un aperçu de certains des principaux logiciels sur différentes plateformes.

Pour les photographes

Pour les images fixes, la précision et un puissant traitement RAW sont essentiels. Ces applications de bureau sont les choix privilégiés des photographes qui ont besoin d'un contrôle granulaire sur chaque aspect de leur retouche de couleur.

• Adobe Lightroom Classic & CC : Un favori pour sa gestion de bibliothèque robuste et son environnement d'édition intuitif et non destructif. Lightroom excelle dans le traitement par lots, ce qui le rend parfait pour gérer de grandes séances photo tout en offrant une suite complète d'outils pour la correction et la retouche créative.
• Adobe Photoshop (Camera Raw) : Bien que Photoshop soit un puissant outil d'édition de pixels, son filtre Camera Raw intégré fournit un ensemble d'outils incroyablement approfondi pour la manipulation des couleurs. Il est idéal pour les retouches complexes qui nécessitent des calques, des masques et des sélections précises.
• Capture One : Réputé pour son rendu des couleurs supérieur et ses capacités de prise de vue connectée, Capture One est un choix de premier ordre pour les photographes professionnels de studio et commerciaux. Son éditeur de couleurs avancé et ses outils de tons chair offrent une précision inégalée.
• DxO PhotoLab : Reconnu pour sa technologie exceptionnelle de réduction du bruit (DeepPRIME) et ses corrections optiques, DxO PhotoLab propose également de puissants outils de couleur et de réglages locaux. Sa technologie U Point™ permet des retouches ciblées et intuitives sans masques complexes.

Pour les vidéastes

La colorimétrie vidéo implique la gestion du mouvement, la cohérence entre les clips et les formats de livraison spécifiques. Ces applications sont conçues pour gérer les complexités des images animées.

• DaVinci Resolve : Largement considéré comme la référence incontestée de l'industrie pour l'étalonnage professionnel à Hollywood et au-delà. Sa page de couleur basée sur des nœuds offre un contrôle et une précision illimités. Incroyablement, DaVinci Resolve propose une version gratuite riche en fonctionnalités et immensément puissante, plus que suffisante pour la plupart des utilisateurs.
• Adobe Premiere Pro (Panneau Lumetri Color) : Intégré directement dans Premiere Pro, le panneau Lumetri Color offre une boîte à outils conviviale et puissante pour les monteurs vidéo. Il rationalise le flux de travail en maintenant le montage et l'étalonnage des couleurs au sein d'une seule application, offrant tout, des corrections de base aux LUTs créatives et aux contrôles secondaires HSL.
• Final Cut Pro : L'éditeur vidéo professionnel d'Apple propose une excellente suite d'outils de couleur intégrés, notamment des roues chromatiques, des courbes et des ajustements de teinte/saturation. Il est optimisé pour l'écosystème Apple, offrant des performances exceptionnelles et une expérience utilisateur fluide et intuitive.

Pour la modification sur mobile

Éditer en déplacement ne signifie pas que vous devez sacrifier la qualité. Ces applications mobiles offrent des fonctionnalités étonnamment puissantes pour corriger et styliser vos photos et vidéos directement depuis votre téléphone ou tablette.

• VSCO : Réputé pour ses préréglages d'émulation de film, VSCO offre un moyen rapide d'obtenir des looks magnifiques et stylisés. Au-delà de ses filtres, il comprend également un ensemble solide d'outils de réglage pour affiner l'exposition, la couleur et le contraste.
• Snapseed : Un éditeur gratuit et étonnamment complet de Google. Snapseed offre une large gamme d'outils, y compris des pinceaux de correction, des courbes et des ajustements sélectifs, ce qui en fait un choix polyvalent pour une édition mobile détaillée.
• Lightroom Mobile : Une version de poche de son homologue de bureau, Lightroom Mobile se synchronise de manière transparente avec Adobe Creative Cloud. Il offre un contrôle de qualité professionnelle sur les fichiers RAW, y compris les retouches sélectives, les corrections géométriques et l'accès à vos préréglages.

Un flux de travail étape par étape pour des résultats professionnels

Avoir des outils puissants, c'est une chose ; savoir les utiliser efficacement, c'en est une autre. Un flux de travail structuré et répétable est la clé pour obtenir des résultats constants et de haute qualité sans se perdre dans les curseurs et les courbes. En décomposant le processus en étapes logiques, vous pouvez travailler plus efficacement et prendre des décisions créatives plus intentionnelles. Ce guide étape par étape sépare le technique du créatif, garantissant que vous construisez une base solide avant d'appliquer votre vision artistique. Ceci est essentiel pour quiconque cherche à élever sa photographie.

Étape 1 : Analysez votre image ou vos séquences

Avant de toucher à un seul curseur, prenez un moment pour examiner de manière critique votre matériel source. Cette évaluation initiale est l'étape la plus cruciale, car elle définit vos objectifs pour l'ensemble du processus d'édition. Vous devez comprendre ce qui doit être corrigé et ce que vous voulez accomplir de manière créative.

• Identifiez les problèmes clés : L'image est-elle trop sombre ou trop claire ? La couleur semble-t-elle incorrecte, peut-être trop jaune à cause de l'éclairage intérieur ou trop bleue à cause de l'ombre ? C'est le diagnostic technique.
• Définissez votre objectif créatif : Quelle histoire essayez-vous de raconter ? Visez-vous un sentiment chaleureux et nostalgique, une ambiance cool et mystérieuse, ou une esthétique vibrante et énergique ? Cela définit votre direction artistique.

Étape 2 : Correction primaire

Ceci est l'étape fondamentale et technique. Le but ici n'est pas d'être créatif mais de neutraliser tout problème et de créer un point de départ équilibré et précis. Considérez cela comme nettoyer la toile avant de commencer à peindre. Une base propre rendra chaque ajustement ultérieur plus efficace et prévisible. C'est une partie essentielle du post-traitement en photographie.

• Commencez par les bases : Commencez par ajuster les éléments essentiels. Utilisez les outils de votre logiciel pour régler une balance des blancs correcte afin de supprimer toute dominante de couleur. Ensuite, ajustez l'exposition globale et le contraste pour créer une gamme tonale complète, des noirs profonds aux blancs éclatants, sans perdre de détails.
• Visez une base neutre et propre : À la fin de cette étape, votre image ou clip vidéo devrait paraître « normale » et fidèle à la réalité. Les couleurs doivent être précises et les niveaux de luminosité bien répartis.

Étape 3 : Ajustements secondaires

Avec l'image globale équilibrée, vous pouvez maintenant vous concentrer sur l'affinage de parties spécifiques. Les corrections primaires affectent l'ensemble de l'image globalement, tandis que les ajustements secondaires sont ciblés et localisés. C'est là que vous abordez les éléments qui nécessitent une attention particulière. Ce sont souvent appelés des ajustements et retouches locaux.

• Isolez des zones spécifiques : Peut-être que le ciel est un peu délavé, ou que les tons de peau du sujet nécessitent un léger ajustement pour paraître plus naturels. Ce sont des cibles courantes pour les ajustements secondaires.
• Utilisez des masques ou des qualificateurs : Des outils comme les pinceaux de réglage, les filtres dégradés ou (en vidéo) les qualificateurs HSL vous permettent de sélectionner une couleur ou une zone spécifique de l'image. Vous pouvez ensuite apporter des modifications – comme augmenter la saturation du ciel uniquement ou réchauffer les tons chair uniquement – sans affecter le reste de l'image. Comprendre les masques de luminosité en photographie peut être très utile ici.

Étape 4 : Amélioration créative (notation)

Maintenant que votre image est techniquement parfaite, le plaisir créatif peut commencer. C'est l'étape de la colorimétrie, où vous infusez à l'image l'ambiance et le style que vous aviez imaginés à l'étape 1. Vous ne corrigez plus seulement, vous créez. C'est un excellent endroit pour appliquer des effets et filtres créatifs.

• Appliquez votre style de couleur choisi : Utilisez des outils comme le panneau HSL, les Courbes, la Teinte séparée ou des LUTs préfabriquées pour appliquer votre esthétique souhaitée. Cela peut être un look cinématographique classique bleu-orange, une palette pastel douce ou une conversion noir et blanc à fort contraste. Comprendre la théorie des couleurs pour les photographes peut grandement éclairer ces choix, tout comme comprendre comment la couleur dans l'éclairage affecte l'image finale.
• Assurer la cohérence : Si vous travaillez sur une série de photos ou une séquence de clips vidéo, il est essentiel que votre étalonnage des couleurs reste cohérent. Utilisez votre première image étalonnée comme référence, et appliquez ou faites correspondre les paramètres sur tous les médias associés pour créer un projet cohérent et professionnel. C'est la clé pour développer un style d'édition cohérent.

Étape 5 : Finition et exportation

La dernière étape consiste à ajouter les touches finales et à préparer votre travail pour sa destination prévue. Ces petits détails peuvent faire une grande différence dans la qualité perçue finale et garantir que votre image soit la meilleure possible, où qu'elle soit visualisée. Cette étape est également cruciale pour la sortie et l'exportation.

• Vérifiez les détails : Appliquez un accentuation pour faire ressortir les détails fins ou utilisez une réduction du bruit pour nettoyer le grain dû aux prises de vue en basse lumière. C'est un équilibre délicat ; trop de l'un ou de l'autre peut rendre une image artificielle. Des techniques comme l'utilisation d'un filtre passe-haut dans Photoshop peuvent aider à l'accentuation.
• Assurez-vous que les tons de peau paraissent naturels : Vérifiez toujours les tons de peau en dernier. Même avec un étalonnage créatif poussé, les spectateurs sont très sensibles aux peaux qui n'ont pas l'air naturelles, alors assurez-vous qu'elles restent dans une plage crédible. Cela rejoint la discussion plus large sur les retouches d'image : vérité ou art ?
• Exporter avec le bon profil colorimétrique : Pour le contenu destiné au web, l'exportation dans l'espace colorimétrique sRGB est la norme. Cela garantit que les couleurs que vous voyez sur votre écran sont représentées fidèlement sur la plupart des autres appareils et navigateurs. N'oubliez pas que travailler avec le traitement RAW vous offre le plus de flexibilité à ces étapes.

Pièges courants à éviter dans l'édition des couleurs

Le voyage vers la maîtrise de la couleur est rempli d'opportunités d'apprentissage, et quelques pièges courants peuvent surprendre même les monteurs expérimentés. Être conscient de ces écueils est la première étape pour les éviter et garantir que vos images et vidéos finales paraissent soignées, professionnelles et intentionnelles. C'est une partie essentielle de l'introduction au post-traitement et au montage.

Aller trop loin : Le piège de la sursaturation

L'une des erreurs les plus fréquentes est de pousser le curseur de saturation trop loin. Dans l'excitation de faire ressortir les couleurs, il est facile de créer une image qui semble artificielle et dure. Lorsque les couleurs deviennent sursaturées, vous perdez de subtiles variations tonales, les textures peuvent paraître plates et les couleurs peuvent commencer à « déborder » sur les zones adjacentes. Se renseigner sur la théorie des couleurs pour les photographes peut aider à prévenir cela.

Reconnaître cela peut être délicat, car nos yeux s'adaptent rapidement à l'écran que nous regardons. C'est ce qu'on appelle la fatigue oculaire. Pour la combattre :

• Faites des pauses fréquentes. Éloignez-vous de votre écran pendant cinq minutes, puis revenez. Les couleurs trop vives seront probablement beaucoup plus évidentes avec des yeux frais.
• Comparez avec l'original. Activez et désactivez vos modifications pour voir à quel point vous vous êtes écarté de la source. Le changement améliore-t-il l'image ou la submerge-t-il ? Comprendre les retouches d'image : vérité ou art ? peut être utile ici.
• Recherchez les couleurs « numériques ». Si un champ vert semble néon ou un ciel bleu ressemble à un dessin animé, c’est un signe évident que vous êtes allé trop loin. Cela est souvent lié à la façon dont nous ajustons la température de couleur.

Teintures de peau non naturelles

Les humains sont incroyablement sensibles aux tons de peau. Nous voyons des visages tous les jours, et nos cerveaux ont un détecteur intégré pour quand quelque chose semble « faux ». Une peau trop orange, trop rouge, ou avec une teinte magenta ou verte peut être immédiatement distrayante et donner un aspect amateur à un portrait ou une vidéo. C'est le seul domaine où la précision est presque toujours plus importante que la créativité pure. Pour un contrôle plus avancé, envisagez d'utiliser une tablette Wacom pour des ajustements précis.

Pour garder une peau d'apparence saine et réaliste :

• Priorisez d'abord la peau. Lors de la réalisation d'ajustements globaux, gardez toujours un œil sur la façon dont ils affectent la peau. Il est souvent nécessaire d'utiliser des masques ou des outils secondaires pour isoler les tons de peau et les ajuster séparément, ce qui est abordé dans les ajustements locaux et la retouche.
• Évitez de sursaturer les rouges et les oranges. Ce sont les couleurs primaires qui composent les tons de peau. Les pousser trop fort est le moyen le plus rapide d'obtenir un aspect non naturel, un "faux bronzage".
• Utilisez une référence. En cas de doute, trouvez une photo de référence prise par un professionnel avec de superbes tons de peau et placez-la à côté de votre image pour comparer. Les monteurs vidéo peuvent utiliser un outil appelé vectorscope, qui dispose d'une "ligne de tons de peau" dédiée pour guider les ajustements.

Perte de détails importants

Chaque image contient une gamme d'informations, des ombres les plus profondes aux hautes lumières les plus vives. Deux erreurs courantes, le bouchage des noirs et le dégagement des hautes lumières, consistent à pousser ces extrêmes si loin que vous perdez tous les détails dans ces zones. Les noirs bouchés deviennent une masse noire solide et sans texture, tandis que les hautes lumières dégagées deviennent une zone blanche pure et plate. Ce sont des aspects des réglages d'exposition et de tonalité.

Bien que cela puisse parfois être un choix stylistique, il s'agit généralement d'un accident qui supprime des informations précieuses. La clé pour éviter cela est de constamment référencer votre histogramme.

• Regardez les bords de votre histogramme. Si vous voyez une grosse pointe poussée contre le bord gauche, vos noirs sont probablement écrasés. Si la pointe est contre le bord droit, vos hautes lumières sont brûlées.
• Visez une gamme tonale complète. Un bon point de départ consiste à faire en sorte que votre histogramme s'estompe doucement juste avant d'atteindre les points noir absolu et blanc absolu, ce qui garantit que vous conservez les détails sur l'ensemble du spectre. Comprendre le traitement RAW peut également aider à gérer ces détails.

Incohérence à travers un projet

Pour une série de photos, un album ou une scène vidéo, la cohérence est cruciale pour une sensation professionnelle et harmonieuse. Il est déroutant pour le spectateur de voir les tons de peau, les couleurs du ciel ou l'ambiance générale changer radicalement d'une prise de vue à l'autre. C'est particulièrement difficile lorsque l'on filme dans différentes conditions d'éclairage. Développer un style d'édition cohérent est la clé pour éviter ce problème.

Pour maintenir un aspect cohérent :

• Établissez une note « héroïque ». Éditez une image ou un clip clé à la perfection. Cela deviendra votre référence. Appliquez ces mêmes réglages aux autres prises de vue comme point de départ, puis ajustez chacune d'elles pour qu'elle corresponde aussi étroitement que possible à la référence. Cela fait partie du concept plus large de post-traitement en photographie.
• Utilisez des outils de correspondance des couleurs. De nombreux logiciels, tels que DaVinci Resolve et Adobe Premiere Pro, disposent de fonctionnalités de correspondance des couleurs automatisées qui peuvent analyser une image de référence et appliquer ses caractéristiques de couleur à un autre clip.
• Créez des préréglages ou des LUTs. Une fois que vous avez perfectionné un look pour un projet, enregistrez-le sous forme de préréglage ou de LUT personnalisé. Cela vous permet d'appliquer rapidement une base de grading cohérente à tous les actifs associés. Vous pourriez également explorer les effets créatifs et les filtres pour améliorer votre cohérence.