Utiliser le point de vue et la perspective dans vos compositions :

Comprendre les concepts clés

Avant de pouvoir maîtriser la combinaison du point de vue et de la perspective, nous devons d'abord les comprendre comme des outils distincts mais profondément connectés dans l'arsenal créatif. Pensez-y comme le cœur et le squelette de votre composition ; l'un fournit le noyau émotionnel, tandis que l'autre lui donne structure et forme. Acquérir une solide compréhension de chaque concept individuellement est la première étape pour les faire travailler ensemble de manière transparente. C'est un élément clé pour améliorer votre art en photographie.

Définir le point de vue (POV)

Le Point de Vue, souvent abrégé en POV, est la « lentille de la caméra » ou les « yeux du narrateur » à travers lesquels votre public expérimente l'œuvre. Ce n'est pas seulement une position physique dans l'espace ; c'est le point de vue émotionnel et psychologique à partir duquel la scène, l'histoire ou le sujet est présenté. Le POV répond à la question : « De qui est cette histoire, et que ressentent-ils par rapport à ce qu'ils voient ? »

Ceci est la lentille de l'émotion. Une scène dépeinte du point de vue d'un héros triomphant sera très différente de la même scène montrée du point de vue d'un méchant vaincu. Elle dicte ce que le public sait, ce qu'il voit et, plus important encore, comment il est censé se sentir. Il est crucial de distinguer le point de vue d'un personnage du vôtre en tant que créateur. Vos sentiments personnels doivent être mis de côté pour habiter authentiquement le point de vue que vous avez choisi pour le récit, qu'il s'agisse d'un personnage, d'un observateur impartial ou du public lui-même. En savoir plus sur l'inspiration et l'apprentissage continu en photographie peut vous aider à explorer différents points de vue.

Définir la perspective

Si le POV est le point de vue émotionnel, la perspective est la méthode technique utilisée pour rendre ce point de vue de manière crédible dans un médium visuel. C'est l'art et la science de représenter des objets tridimensionnels et des relations spatiales sur une surface bidimensionnelle, comme une toile, une photographie ou un écran. La perspective est ce qui crée l'illusion de profondeur, de distance et d'échelle. Comprendre la profondeur et la superposition est fondamental pour la perspective.

Ce cadre technique régit la taille relative, la position et la forme de tous les éléments de votre composition. Il dicte que les objets plus éloignés doivent apparaître plus petits, et que les lignes parallèles, comme les côtés d'une route, semblent converger vers un point distant à l'horizon. Sans une solide compréhension de la perspective, une composition peut sembler plate, déformée ou confuse, brisant l'illusion que vous essayez de créer. Explorer des techniques de composition avancées, telles que la règle des tiers ou les lignes directrices, peut améliorer considérablement votre utilisation de la perspective.

Comment le POV et la Perspective s'intersectent

La vraie magie opère lorsque ces deux concepts fonctionnent en harmonie. La façon la plus simple de penser à leur relation est la suivante : Le Point de Vue est le pourquoi ; la Perspective est le comment.

Votre POV est le choix narratif — l'histoire que vous voulez raconter. Votre perspective est l'ensemble des règles techniques que vous utilisez pour raconter cette histoire visuellement. Par exemple, si votre POV choisi est celui d'un jeune enfant regardant un adulte imposant, votre objectif narratif (le pourquoi) est de faire en sorte que l'enfant se sente petit et que l'adulte semble intimidant. Pour y parvenir, vous employez les techniques de perspective (le comment) : vous dessinez ou photographiez la scène sous un angle bas, ce qui fait que les lignes verticales de la silhouette de l'adulte s'étirent et dominent le spectateur. Ceci est similaire à la façon dont on pourrait expérimenter avec les angles et perspectives en photographie mobile.

Un exemple magistral de cette synergie se trouve dans le film de Stanley Kubrick, The Shining. Les plans récurrents de Danny roulant à tricycle dans les couloirs vides de l'Overlook Hotel sont emblématiques. Le Point de Vue est bas, à la hauteur de Danny, nous immergeant dans sa vulnérabilité enfantine. Kubrick utilise ensuite une Perspective méticuleuse en point de fuite, avec les lignes du couloir convergeant au fond du cadre. Cette combinaison donne à l'espace une impression d'une longueur infinie et d'une claustrophobie terrifiante, mariant parfaitement l'état émotionnel du personnage (POV) à la construction technique de la scène (Perspective). Maîtriser ces éléments contribue au cadrage et au timing généraux de vos plans.

Maîtriser le point de vue dans votre travail

Une fois que vous comprenez la différence fondamentale entre le « pourquoi » émotionnel (point de vue) et le « comment » technique (perspective), vous pouvez commencer à les utiliser comme de puissants outils créatifs. Que vous soyez écrivain, peintre ou cinéaste, votre choix de point de vue est la première et la plus cruciale décision pour façonner l'expérience de votre public. Il détermine l'histoire qui est racontée, ce qu'elle ressent, et ce que le spectateur est censé comprendre du monde que vous avez créé.

Point de vue littéraire : La voix du narrateur

Dans l'écriture, le point de vue dicte la voix et le filtre à travers lesquels l'histoire est racontée. Chaque choix offre un ensemble unique de forces et de limitations, modifiant fondamentalement la relation du lecteur avec les personnages et les événements.

• Première personne (je, moi) : Ce point de vue place le lecteur directement dans la tête d'un personnage. Il crée un puissant sentiment d'intimité et d'immédiateté, car nous vivons les événements à travers leurs pensées personnelles, leurs sentiments et leurs préjugés. Cette proximité ouvre également la porte au narrateur non fiable, un personnage dont la perception de la réalité peut être biaisée, obligeant le lecteur à remettre en question la véracité de ce qui lui est raconté.
• Deuxième personne (Vous) : Un choix moins courant mais très efficace, le point de vue à la deuxième personne s'adresse directement au lecteur. En utilisant « vous », l'auteur fait du lecteur un personnage de l'histoire, créant une expérience immersive et souvent interactive. Il est fréquemment utilisé dans la publicité (« Vous méritez le meilleur ! »), les guides d'instruction et la fiction interactive.
• Troisième personne limitée (Il/Elle/Iels) : Ce style narratif populaire suit de près un seul personnage, presque comme si une caméra était perchée sur son épaule. Le lecteur est au courant des pensées et des sentiments de ce personnage unique, mais d'aucun autre. Cela crée de l'empathie pour le personnage du point de vue et engendre un suspense naturel, car le lecteur ne peut savoir que ce que le personnage sait.
• Omniscient à la troisième personne (Il/Elle/Iels) : Le narrateur omniscient. Ce point de vue permet au conteur de se déplacer librement entre les personnages, les lieux et les époques. Le narrateur peut révéler le monde intérieur de n'importe quel personnage, fournir un contexte historique et commenter l'action d'un point de vue quasi divin. Il offre une vision large et complète de l'univers de l'histoire.

Point de vue visuel : La position du spectateur

Dans les arts visuels comme la photographie, la peinture et le cinéma, le point de vue fait référence à la position littérale à partir de laquelle le public regarde la scène. Changer cet angle de quelques mètres seulement peut modifier considérablement le sens et l'impact émotionnel d'une image. Comprendre comment manipuler la perspective est essentiel pour améliorer votre art. Considérez comment différents points de vue peuvent affecter la taille et l'importance perçues de vos sujets, un peu comme la façon dont la règle des tiers guide l'œil du spectateur.

• Vue à hauteur d'œil : C'est le point de vue le plus neutre et le plus courant. En plaçant la caméra ou le spectateur à la même hauteur que les yeux du sujet, l'artiste crée un sentiment d'égalité et de connexion directe. C'est une perspective relatable qui donne au spectateur l'impression d'être présent dans la scène, s'engageant avec le sujet sur un pied d'égalité.
• Vue en plongée (vue d'oiseau) : Lorsque nous regardons un sujet d'en haut, cela tend à diminuer son importance et à le faire paraître petit, vulnérable ou piégé. Une prise de vue en plongée peut également servir un objectif pratique, donnant au public une large vue d'ensemble d'un paysage ou de l'agencement d'une pièce, établissant un sentiment d'échelle et de lieu. Cela peut être particulièrement utile lorsque l'on considère comment éviter les photos de paysage ennuyeuses.
• Vue en contre-plongée (vue de ver) : Regarder un sujet par le bas, d'un point de vue bas, a l'effet inverse. Cela donne au sujet une impression de puissance, de domination, d'héroïsme, voire d'intimidation. Cet angle exagère la hauteur et la stature, donnant au sujet le contrôle du cadre et du spectateur. C'est la raison pour laquelle il s'agit du « plan héroïque » classique.
• POV Subjectif (Plan Subjectif / Vue à la première personne) : Cette technique place le spectateur directement dans la peau du personnage, lui permettant de voir le monde à travers ses yeux. C'est le POV visuel le plus immersif, souvent utilisé dans les jeux vidéo et les films de type "found-footage" pour créer une expérience viscérale et immédiate de l'action au fur et à mesure qu'elle se déroule. Ceci est similaire à la façon dont l'expérimentation avec les angles et les perspectives en photographie mobile peut améliorer une composition.

La technique de la perspective

Si le Point de Vue est le cœur de votre composition, la perspective est le squelette. C'est le cadre technique qui donne à votre création bidimensionnelle l'illusion convaincante d'un espace tridimensionnel. Maîtriser ces règles vous permet de construire des mondes qui semblent réels, profonds et immersifs, donnant à votre PDV choisi un espace tangible à habiter.

Perspective linéaire : Créer de la profondeur avec des lignes

Pionnière pendant la Renaissance, la perspective linéaire est un système mathématique pour créer des représentations réalistes de la profondeur. Elle repose sur le principe que les lignes parallèles semblent converger vers un point distant sur la ligne d'horizon. C'est l'outil le plus fondamental pour construire des espaces crédibles, des pièces simples aux paysages urbains complexes. Comprendre comment l'implémenter peut être une partie clé des techniques de composition avancées.

Perspective à un point

Ceci est la forme la plus simple de perspective linéaire, utilisant un point de fuite unique sur la ligne d'horizon. Toutes les lignes parallèles perpendiculaires à la ligne de mire du spectateur (orthogonales) s'éloignent directement vers ce point unique. C'est la technique parfaite pour les compositions qui regardent directement dans un long chemin droit, comme une route, un couloir ou un ensemble de voies ferrées disparaissant au loin.

Perspective à deux points

Lorsque vous visualisez un objet sous un angle, comme le coin d'un bâtiment, vous avez besoin de la perspective à deux points. Cette méthode utilise deux points de fuite, tous deux situés sur la ligne d'horizon. Les lignes verticales de l'objet restent droites, mais les lignes horizontales parallèles (comme les bords supérieur et inférieur des murs) s'éloignent vers l'un des deux points de fuite. Cela ajoute un plus grand sentiment de dynamisme et de réalisme aux objets qui ne font pas face directement au spectateur.

Perspective à trois points

Pour créer des vues en plongée ou en contre-plongée vraiment spectaculaires, nous introduisons un troisième point de fuite. Ce point est placé soit très au-dessus de la ligne d'horizon (pour une vue à vol d'oiseau, regardant vers le bas), soit très en dessous (pour une vue de ver de terre, regardant vers le haut). Dans ce système, non seulement les lignes horizontales convergent, mais les lignes verticales s'éloignent également vers ce troisième point. C'est la technique utilisée pour donner aux gratte-ciel une apparence d'une taille impossible ou pour donner une sensation de vertige lorsque l'on regarde vers le bas d'une grande hauteur.

Atmospheric (ou perspective aérienne)

Tandis que la perspective linéaire utilise des lignes pour créer de la profondeur, la perspective atmosphérique utilise la valeur, la couleur et le détail. Cette technique simule l'effet de l'atmosphère terrestre sur notre perception des objets distants. La grande quantité de particules d'air (poussière, humidité, polluants) entre un spectateur et un objet lointain diffuse la lumière, affectant notre façon de le voir. Maîtriser cela est crucial pour éviter les photos de paysage ennuyeuses.

Pour créer une illusion convaincante de perspective atmosphérique, les artistes suivent quelques principes clés :

• Valeur : Les objets distants apparaissent plus clairs et ont moins de contraste que les objets au premier plan.
• Détail : Plus un élément est éloigné, moins les détails et la texture seront visibles.
• Couleur : Les objets distants apparaissent souvent plus froids en couleur, se déplaçant vers les bleus et les gris, car les ondes lumineuses bleues plus courtes sont plus facilement diffusées par l'atmosphère.

C'est une technique essentielle pour créer un sentiment d'immense échelle et de profondeur, particulièrement dans la peinture et la photographie de paysage.

Autres techniques clés de perspective

Au-delà des systèmes fondamentaux de la perspective linéaire et atmosphérique, les artistes emploient d'autres méthodes créatives pour guider l'œil et manipuler le sens de l'espace du spectateur. Explorer ces méthodes peut être un excellent moyen d'améliorer votre art photographique.

Perspective forcée

La perspective forcée est une illusion d'optique délectable qui joue avec nos suppositions sur l'échelle. En plaçant des objets à différentes distances de l'appareil photo et en les composant soigneusement, vous pouvez les faire paraître plus grands, plus petits, plus proches ou plus éloignés qu'ils ne le sont réellement. C'est l'astuce derrière les photos touristiques où les gens "tiennent" la tour de Pise et a été largement utilisée dans des films comme Le Seigneur des Anneaux pour faire paraître les hobbits beaucoup plus petits que les humains et les sorciers.

Perspective en S

La courbe en S est un puissant outil de composition qui utilise une ligne sinueuse pour guider l'œil du spectateur à travers le cadre. Une rivière sinueuse, une route sinueuse ou un littoral courbe crée un chemin naturel et gracieux pour l'œil, attirant le spectateur plus profondément dans la scène. Cela améliore non seulement le sentiment de profondeur, mais ajoute également un rythme dynamique et fluide à la composition, plus organique que les lignes rigides de la perspective linéaire. C'est un excellent exemple de la façon dont l'utilisation de lignes directrices peut améliorer vos compositions.

Combiner le POV et la Perspective pour un Impact Maximal

Comprendre le point de vue et la perspective comme des concepts distincts est la première étape. La véritable maîtrise réside cependant dans leur entrelacement. Lorsque l'intention émotionnelle de votre point de vue est soutenue par l'exécution technique de la perspective, vous pouvez guider les sentiments de votre public avec une précision incroyable. Explorons comment fonctionne cette synergie à travers quelques études de cas pratiques.

Étude de cas : Créer l'émerveillement et la puissance

Pour donner à un sujet une impression de domination, de monumentalité ou d'héroïsme, il faut que le public se sente petit en comparaison. C'est une combinaison classique d'un angle de vue puissant et d'une perspective dramatique.

• Point de vue : Une vue en contre-plongée est le choix naturel. En plaçant la « caméra » ou les yeux du spectateur aux pieds du sujet et en regardant vers le haut, vous établissez immédiatement une hiérarchie de pouvoir. Ce point de vue en « contre-plongée » fait appel à une compréhension primale de la taille et de l'importance.
• Perspective : Ce point de vue est techniquement réalisé en utilisant une perspective à trois points. Les lignes verticales fortes convergent vers un troisième point de fuite haut au-dessus du cadre, exagérant la hauteur du sujet et le faisant paraître dominer le spectateur. Cette technique étire la forme, la faisant apparaître de manière dynamique et imposante.
• Applications courantes : Cette méthode est un élément essentiel dans les bandes dessinées pour dépeindre les super-héros, dans les films pour présenter des monstres géants ou des mechs imposants, et en photographie d'architecture pour capturer la majesté des gratte-ciel et des cathédrales.

Étude de cas : Évoquer l'intimité et l'empathie

Pour forger une connexion directe et personnelle entre le public et un personnage, il faut éliminer la distance et la distraction. Le but est de donner au spectateur l'impression d'être dans la pièce avec le sujet, partageant un moment intime.

• Point de vue : Une vue à hauteur d'œil est l'outil le plus efficace pour créer un sentiment d'égalité et de proximité. Elle imite une conversation naturelle, en face à face, invitant le public à se connecter au sujet à un niveau humain. Un POV légèrement subjectif, où nous voyons le monde juste par-dessus l'épaule d'un personnage, peut obtenir un effet similaire.
• Perspective : Bien que la perspective linéaire puisse être simple, la clé réside souvent dans le contrôle de la profondeur de champ. En photographie et en cinématographie, l’utilisation d’une profondeur de champ réduite floute l’arrière-plan. Cette technique visuelle isole le sujet, forçant l’attention du spectateur sur ses expressions faciales, la lumière dans ses yeux et les indices subtils de son état émotionnel. En écriture, cela s’apparente à se concentrer uniquement sur les pensées internes d’un personnage et les détails sensoriels immédiats, estompant le monde extérieur.
• Applications courantes : C'est la base d'un portrait convaincant en peinture et en photographie. Au cinéma, il est utilisé pour les gros plans chargés d'émotion. En littérature, c'est l'essence d'un point de vue à la troisième personne limité qui plonge le lecteur au plus profond de la psyché d'un personnage.

Étude de cas : Exprimer l'isolement ou le détachement

Parfois, l'histoire exige que vous mettiez l'accent sur la solitude d'un personnage ou sur la nature vaste et impersonnelle de son environnement. Ici, vous voulez créer un sentiment de distance émotionnelle et physique entre le spectateur et le sujet.

• Point de vue : Une vue en plongée, distante est parfaite pour cela. Regarder un sujet d'en haut peut le faire paraître vulnérable, petit et perdu dans son environnement. Cela positionne le spectateur comme un observateur détaché, regardant depuis une position sûre et éloignée.
• Perspective : Ce sentiment de distance est puissamment renforcé par la perspective atmosphérique. En rendant les éléments de l'arrière-plan plus clairs, moins détaillés et plus bleutés, vous créez une illusion convaincante d'un vaste espace vide séparant le spectateur du sujet. Ce gouffre visuel accentue le sentiment d'isolement.
• Applications courantes : Cette technique est magistralement utilisée dans la peinture de paysage et le cinéma pour montrer une figure solitaire sur une toile de fond épique. Elle est également centrale dans l'œuvre d'artistes qui explorent les thèmes de la solitude urbaine. Un exemple par excellence est « Nighthawks » d'Edward Hopper. Le spectateur est placé à l'extérieur du restaurant, regardant à l'intérieur d'un point de vue légèrement surélevé et détaché. La rue sombre et vide crée un vide, et nous sommes séparés des clients par une grande vitre, ce qui fait de nous des observateurs silencieux de leur existence tranquille et déconnectée.

Exercices pratiques pour perfectionner vos compétences

La théorie est essentielle, mais c'est dans la pratique que la maîtrise se forge. Comprendre les concepts de point de vue et de perspective est une chose ; les internaliser pour qu'ils deviennent une partie naturelle de votre processus créatif en est une autre. Ces exercices ciblés sont conçus pour vous aider à appliquer activement ces principes, renforçant ainsi vos instincts créatifs et vos capacités techniques.

Pour les artistes visuels (photographes, peintres, illustrateurs)

La narration visuelle repose sur l'impact immédiat du cadre. Ces exercices vous aideront à être plus délibéré dans la manière dont vous positionnez le spectateur et construisez votre monde.

• Le défi des « trois angles » : Choisissez un sujet unique et simple : une personne, une chaise, ou même un fruit sur une table. Votre mission est de capturer ce même sujet sous trois points de vue distincts : une vue en contre-plongée (vue de ver), une vue directe à hauteur d'œil et une vue en plongée (vue d'oiseau). Une fois que vous avez vos trois images, comparez-les côte à côte. Ne vous contentez pas de regarder les différences de composition ; analysez le changement émotionnel. Comment l'angle bas donne-t-il du pouvoir à votre sujet, le faisant paraître dominant ou héroïque ? Comment le plan neutre à hauteur d'œil crée-t-il un sentiment de connexion directe ? Quel sentiment de vulnérabilité ou d'observation l'angle élevé introduit-il ? Cet exercice est une leçon puissante sur la façon dont le placement de la caméra dicte le récit.
• Chasse au point de fuite : Cet exercice transforme une simple promenade en une étude technique sur le terrain. Sortez avec un appareil photo ou un carnet de croquis et recherchez activement des exemples concrets de perspective linéaire. Cherchez une route longue et droite ou une voie ferrée convergeant vers un unique point de fuite à l'horizon, c'est la perspective à un point. Ensuite, trouvez le coin d'un bâtiment et observez comment ses deux côtés visibles s'éloignent vers deux points de fuite distincts. C'est la perspective à deux points en action. En identifiant et en dessinant ou en photographiant ces structures, vous entraînez votre œil à voir la grille géométrique sous-jacente qui donne sa profondeur à notre monde tridimensionnel.

Pour les auteurs

Pour les écrivains, le POV et la perspective façonnent toute l'expérience du lecteur avec l'histoire, de sa connexion émotionnelle avec les personnages à sa compréhension du monde lui-même.

• L'exercice du « Changement de Perspective » : Prenez une courte scène d'une histoire sur laquelle vous travaillez, idéalement une scène avec au moins deux personnages. Réécrivez maintenant cette scène exacte du point de vue de l'autre personnage. Le but n'est pas seulement de changer les pronoms de « il » à « je ». Vous devez pleinement habiter l'esprit du nouveau narrateur. Qu'est-ce qu'ils remarquent que le personnage original a manqué ? Comment leurs biais personnels, leurs peurs et leurs désirs colorent-ils leur interprétation des événements ? Une simple conversation peut se transformer d'une discussion innocente en un interrogatoire tendu selon la tête du lecteur. Cet exercice renforce l'empathie et révèle les complexités cachées de votre récit.
• L'exercice de l'« échelle sensorielle » : Cet exercice est un entraînement à la description détaillée et à la puissance de la perspective physique. D'abord, imaginez une cuisine standard et écrivez un paragraphe la décrivant du point de vue d'une minuscule souris. Concentrez-vous sur les détails sensoriels de ce niveau. Les espaces sous les armoires sont des tunnels caverneux, une miette tombée est un festin, et le bourdonnement du réfrigérateur est un bruit assourdissant. Ensuite, réécrivez la scène, décrivant la même cuisine du point de vue d'un géant imposant qui doit se baisser pour passer la porte. Pour eux, les comptoirs sont inconfortablement bas, le robinet est un minuscule bec, et toute la pièce ressemble à une maison de poupée. Cet exercice illustre brillamment comment la relation physique d'un personnage à son environnement change fondamentalement la façon dont lui – et le lecteur – le perçoivent.

Casser les règles : approches avancées et non conventionnelles

Une fois que vous comprenez les règles fondamentales du point de vue et de la perspective, vous gagnez le pouvoir de les enfreindre intentionnellement. Les œuvres les plus mémorables défient souvent les conventions, utilisant des approches non conventionnelles pour défier le public, évoquer des émotions puissantes et créer un impact durable. Aller au-delà du cadre traditionnel vous permet de créer des compositions vraiment uniques et stimulantes.

Utiliser des narrateurs peu fiables et des points de vue biaisés

Dans la littérature et le cinéma, la relation entre le public et le narrateur repose sur un fondement de confiance. Un narrateur peu fiable brise délibérément cette confiance. C'est un conteur dont la crédibilité a été sérieusement compromise, que ce soit par parti pris, délire, naïveté ou tromperie pure et simple. Nous sommes obligés de voir le monde à travers un prisme déformé, remettant en question chaque déclaration et chaque événement.

Ce puissant procédé littéraire fait plus que raconter une histoire ; il engage activement le public dans un jeu d'interprétation. En présentant une version biaisée des événements, le créateur crée un suspense et un mystère immenses. Le lecteur ou le spectateur devient un détective, examinant le récit du narrateur pour trouver des indices sur la vérité objective. Cela crée une expérience profondément immersive et psychologique, nous obligeant à considérer la nature de la mémoire, de la perception et de la vérité elle-même.

Tisser de multiples points de vue

Pourquoi raconter une histoire d'un seul point de vue quand on peut la raconter de plusieurs ? Tisser plusieurs points de vue est une technique qui présente un seul récit à travers les yeux de plusieurs personnages différents. Au lieu d'une expérience linéaire et singulière, l'histoire devient une tapisserie complexe de récits qui se chevauchent, et souvent contradictoires. Cette approche polyphonique offre une compréhension plus riche et plus nuancée des événements et des personnages impliqués.

Les œuvres emblématiques comme le film d'Akira Kurosawa, Les Sept Samouraïs, illustrent parfaitement cet effet, où un seul crime est raconté de quatre manières contradictoires, laissant au public le soin de réfléchir à ce qui s'est réellement passé. De même, le roman de William Faulkner, Tandis que j'agonise, fait alterner sa voix narrative entre quinze personnages, créant une mosaïque vertigineuse et profonde de la conscience humaine. Cette méthode met en évidence la subjectivité de l'expérience et construit un monde qui semble plus complet et multidimensionnel.

Modifier la perspective pour un effet artistique

Dans les arts visuels, le respect strict de la perspective réaliste n'est qu'une option parmi d'autres. Les artistes savent depuis longtemps que déformer ou abandonner les règles de la perspective peut être un outil puissant pour exprimer l'émotion, le chaos et les idées abstraites que le réalisme ne peut capturer. En tordant les lignes, en aplatissant l'espace ou en exagérant l'échelle, un artiste peut communiquer une réalité interne et psychologique plutôt qu'une réalité purement externe.

Entiers mouvements artistiques ont été fondés sur ce principe. Le cubisme, initié par des artistes comme Pablo Picasso, rejetait un point de vue unique, dépeignant plutôt les sujets sous plusieurs angles à la fois pour représenter un concept plus complet de la forme. L'expressionnisme utilisait des couleurs discordantes et des figures déformées pour transmettre des émotions brutes et internes. Et le surréalisme, maîtrisé par Salvador Dalí, employait souvent une perspective hyperréaliste pour rendre des scènes bizarres et oniriques, rendant l'impossible étrangement plausible.